Dedicatoria:

Este espacio lo dedico siempre a los navegantes de este océano de información que mensualmente nos visitan, a mis alumnos, conocidos y amigos.

Desde que se creó, a una personita en particular, que de hecho fue quien dio nombre a esta sección, Gracias Lucero, este espacio también es tuyo…

En esta ocasión, Quiero agradecer particularmente a la Familia Gallardo de Buenos Aires Argentina, su ayuda y apoyo para el artículo de la Chacarera (Mayo 2010) y el de Alfredo Zitarrosa (Diciembre 2009), quienes han aportado y compartido mucho de su país para enriquecer mis conocimientos mis dudas y claro, gracias por aguantar tanta lata que les doy, a todos y cada uno de ustedes mil gracias, Esperanza, Hernán, Julio, Gladys, Zulema, por supuesto también a Martha y Ma. Leticia de Uruguay, igualmente integrantes de esta familia Bonita de nuestro vecino país del Sur, un abrazo muy grande desde México.

Esperen mi artículo el próximo mes…  gracias

Luis Gutierrez - Sandokkan

SANDOKKAN: lejos de ser el verdadero tigre de malasia, más bien, es un guerrero moderno en esta jungla de concreto llamada Ciudad de México, siempre apasionado, entre otras cosas, de la guitarra clásica y de las tecnologías computacionales.

Comentarios a: atravesdeltiempo@live.com.mx

Advertisements

CHACARERA

Hola cibernautas, locos, intelectuales, ociosos, viciosos, curiosos, obsesivos y de mas especímenes underground, además de los que les importa y a los que dicen o piensan ¿Yo por qué? A mí no me importa…heme aquí de nuevo en otra página musical después de un mes de locos retomando este blogzine en sus primeros números del segundo año, que espero sean muchos.

Hablando de personajes importantes como el maestro Julio Cesar Oliva quien compartió  parte de sus vivencias y experiencia musical en el numero de aniversario, retomo este número para hablarles de un ritmo latinoamericano originario de la Argentina, doy paso en esta edición a la CHACARERA, Danza tradicional Argentina muy variada y rítmica.

el_Chaque..

La Chacarera es una danza vivaz que, como la mayoría de las danzas Folklóricas argentinas “Gato” y el “Palito”, se bailan en pareja. Esta es suelta ya que los bailarines no se tocan, o sea que hacen solos sus evoluciones, sin combinarlas con las de otra pareja.

Pertenece al grupo de danzas picarescas junto con el “Gato”, de ritmo ágil y carácter muy alegre y festivo, gozó de la aceptación del ambiente rural y también de los salones cultos del interior hasta fines del siglo pasado, abarcando todo el país excepto el litoral y la Patagonia. Es una de las pocas danzas vigentes, es decir, que aún se baila especialmente en Santiago del Estero donde se arraigó con gran fuerza y en Tucumán, Salta, Jujuy, Catamarca, La Rioja y Córdoba; su difusión abarca por lo tanto, los ámbitos del noroeste, parte del chaqueño y casi todo el central.

La historia musical del Folklore Argentino se remonta a las primeras creaciones criollas, muchas de ellas basadas en la literatura del Siglo de Oro Español, y a la fusión lenta y constante que sufrió con las influencias vernáculas de naturaleza indígena.

Este Folklore, puro y descontaminado, comenzó a registrarse musicalmente, pero sin versos, hacia fines del siglo XVIII y comienzos del XIX.

Desgraciadamente hay pocos documentos que hablan de su historia, pero hay relatos y datos escritos que dicen sería la danza más antigua y se baila en Tucumán desde 1850.

Musicalmente consta de cuatro frases en las cuales se cantan las coplas y un interludio que es solamente instrumental, intercalado después de la primera y segunda copla y también sirve de introducción. Este interludio es una característica coreográfica, ya que puede durar seis u ocho compases y como corresponde a la figura de vuelta entera, varía su duración de la misma forma.

Coreograf..

INTRO: instrumental casi siempre, esta parte precede al canto.

ESTROFA: suele ser la parte en la que se canta la letra de la chacarera.

INTERLUDIO: del mismo carácter melódico que la intro esta parte suele ser ejecutada instrumentalmente.

ESTRIBILLO: generalmente esta sección es el punto álgido de las partes.

Esta es la estructura tradicional de la Chacarera, aunque podrá también llevar una coda al final.

El acompañamiento musical que se utiliza generalmente es de guitarra, violín, acordeón y por supuesto, el bombo, que se luce con sus típicos repiques. En la coreografía se introduce una figura especial que es el avance y retroceso, consta de cuatro compases. Al igual que en casi todas las danzas argentinas, consta de dos partes. La segunda se baila idéntica a la primera, pero invirtiendo como es característico, la posición inicial.

Bombos

La chacarera tiene un ritmo de 6/8 y existen 4 tipos o cuatro regionalismos de este estilo, perfectamente diferenciadas por el territorio argentino: La Santiagueña, La Tucumana, La Chaqueña (salteña del Chaco Salteño) y La Cordobesa.

Muchos de los íconos musicales de la argentina y casi toda sudamérica tienen que ver con la Chacarera, como el internacionalmente reconocido compositor y escritor argentino originario de Pergamino Héctor Roberto Chavero Aramburo (Atahualpa Yupanqui) quien compuso en este ritmo.  Las chacareras han sido interpretadas por reconocidos intérpretes no solo de la argentina, como Alfredo Zitarrosa, Mercedes Sosa, Los Chalchaleros, Horacio Guaraní, Jorge Cafrune, José Larralde, Víctor Jara, Ángel Parra, Jairo, Andrés Calamaro, Divididos y Marie Laforêt, entre muchos otros, y siguen formando parte del repertorio de innumerables artistas, en Argentina y en distintas partes del mundo, Oscar “El Chaqueño” Palavecino, Los Hermanos Núñez, además de Alberto Evaristo Ginastera, compositor argentino de música académica. Es considerado uno de los compositores latinoamericanos más importantes del siglo XX.

Atahualpa_Yupanqui

Dentro de este estilo musical recomiendo ampliamente “La Colorada” de Atahualpa Yupanqui, excelente chacarera interpretada  junto a “Los Chalchaleros”, “Chacarera del 55” de los Hermanos Núñez con una magnifica interpretación en voz de Alfredo Zitarrosa, “Chacarera del Finao” y “Chacarera de un triste” con “Los Chalchaleros”, otras chacareras dignas de escucharse para conocer sus diferentes estilos son “Chacarera del Patio”, “Chacarera del Cardenal” “La Ley y La Trampa” y “Chacarera pa’ mi Tartagal” en la interpretación de “El Chaqueño Palavecino”.

La música en latinoamérica, es una de las mas bastas del mundo, existen muchos estilos y como en el caso del Son y la Chacarera existen incluso varios regionalismos que los hacen más bastos y versátiles, mucho del folclore latinoamericano, aproximadamente el 98%, se basa en experiencias populares que los cantores y compositores plasman en sus obras. En sudamérica esta tendencia es muy marcada en las canciones, los ritmos, los huapangos y los sones veracruzanos en México; todos ellos hablan de la vida común del campo y sus pueblos.

Muchos de los sones veracruzanos son picaros y en doble sentido, así como las tradicionales “Bombas” en la música yucateca , frases picaras que hacen alusión y divulgan el “albur” típico de México al usar el doble sentido.

Alberto Evaristo Ginastera

Me despido con esta reflexión, El Choro, La Zamba, La Chilena, El Joropo, El Chamamé, La Chacarera, El Son, El Huapango, El Gato, El Palito, El Bambuco, La Litoraleña (o Rasguido Doble), La Chamarrita y La Milonga; son ritmos latinoamericanos que forman parte del patrimonio cultural folclórico de sus respectivos países de origen, deberían ser estudiados seriamente en las escuelas de música a nivel profesional ya que encierran la esencia de sus pueblos, tradiciones y creencias, son joyas culturales desde México hasta Argentina que tienen que ser protegidas y tomadas seriamente.

Los_Chalchaleros

Como siempre ha sido un placer dar mi pequeña aportación a este Blogzine, espero recibir sus comentarios y sugerencias acerca de los temas que trato en este espacio, hasta pronto en otra página de la música que a través del tiempo sigue siendo popular.

SANDOKKAN: lejos de ser el verdadero tigre de malasia, más bien, es un guerrero moderno en esta jungla de concreto llamada Ciudad de México, siempre apasionado, entre otras cosas, de la guitarra clásica y de las tecnologías computacionales.

Comentarios a: atravesdeltiempo@live.com.mx

Música a través del tiempo

Hola cibernautas, locos, intelectuales, ociosos, viciosos, curiosos, obsesivos y de mas especímenes underground, además de los que les importa y a los que dicen o piensan ¿Yo por qué? A mí no me importa… es un placer estar aquí de nuevo, compartiendo anécdotas, estilos musicales historias mitos y de mas; es nuestro aniversario ¡¡¡UN AÑO!!! Se dice así nomas, pero cuando vemos atrás nos damos cuenta de que hemos apoyado con nuestras locuras y desvelos este proyecto que comenzó por la inquietud de uno de nosotros, Quarry Felicidades por este espacio y por considerarnos para ser parte de él, no solo yo, si no también los demás amigos y conocidos que de alguna manera compartimos nuestras inquietudes con ustedes.

Por lo que a mí respecta me siento contento de formar parte de este proyecto, en fin… vamos a lo que esperan, otra página de la música a través del tiempo.

 En anteriores entregas he hablado de personajes conocidos, y de estilos musicales que todos hemos escuchado alguna vez, por ejemplo, la inigualable voz de Jorge Negrete, la romántica inspiración de Guty Cárdenas, el Danzón, el Vals, el Huapango entre otros, que muchos de ustedes leyeron en este espacio, pero nuestro aniversario merece algo diferente, y voy a platicarles de un inspirado compositor, un gran ser humano, igualmente un excelente maestro, que tengo el privilegio de conocer, haberlo escuchado tocar en vivo y por supuesto ser testigo auditivo de sus anécdotas, algunos curiosas, otras graciosas, muchas tristes pero igualmente interesantes, tengo el placer de escribirles del Maestro Julio Cesar Oliva.

 Hace unos días, llegue por la mañana a un modesto edificio de departamentos en la colonia Portales, mi cita se había retrasado un día, pero eso no era lo que me interesaba, ansioso y algo apresurado me baje del automóvil, tomando una libreta y una cámara fotográfica, al bajar me encontré en la puerta con él, después de más de diez años de no verlo me sorprendió mucho que no ha cambiado nada, saludé al Maestro Oliva quien ya me esperaba, tras acompañarlo a sacar una fotocopia subimos a su pequeño, pero impecable, departamento y nos sentamos a charlar…

 

Julio César Valenzuela Oliva, nació en la Ciudad de México en 1947, siendo el último de 6 hermanos, desde muy pequeño, mostró una gran inquietud por lo que le rodeaba, investigando por su cuenta y “yéndose de pinta”, según sus propias palabras, pero esas pintas fueron lo que lo hicieron acrecentar su curiosidad ya que el lugar de sus “distracciones” era leer, y visitar al organista en un seminario cercano a su casa, esta aventura lo llevó a curiosear en los libros de teología del lugar, analizando y sacando sus propias conclusiones; aunque esas lecturas, como él me lo confió, no estaban a su nivel, por su edad y la complejidad de las mismas, a ratos pasaba también el tiempo con aquél organista, quien le empezó a enseñar algunas cosas y le abrió otro panorama de la música. Tras hacer sus indagaciones teológicas un día tomó la iniciativa de discutir esto con varios clérigos, exponiendo sus dudas e inquietudes ¡¡valla cosa!!, salió del recinto para no volver, menudo problema en el que se involucró, y me dijo con un aire nostálgico “lo que más me lamento de eso es que no volví a ver a mi amigo el organista’ pero sus estudios musicales no los inició ahí, fue Don José Valenzuela, su padre quien lo inició en la guitarra, otro anécdota de esto fue el siguiente:

Su Hermana Ana María (la mayor de sus hermanos), tocaba el piano, y comenzó a enseñarle por nota, pero el pequeño Julio Cesar no gustaba de esto, tocando de “oído” lo que escuchaba, al saber esto su hermana lo castigo cerrando el piano con llave (que los pianos modernos la mayoría no cuentan con llave en la tapa del teclado), por diversos motivos de índole económica ese piano fue vendido y su madre le pidió a Don José que le enseñara la guitarra, que estaba colgada en la pared, y a tanta insistencia accedió y ahí comenzó a aprenderla bajo el estricto, riguroso y nada paciente método de su padre quien no repetía lo que enseñaba y lo hacía afinar a cada momento esa vieja guitarra, estas lecciones solo las tenia los días domingos haciendo el esfuerzo por grabarse de manera fotográfica las lecciones a vapor que su padre le daba, Don José Valenzuela, tocaba de manera autodidacta Guitarra, Mandolina, Salterio y la Armónica pero su dureza tuvo una justificación por la difícil época revolucionaria que vivió; acomodándose en la silla recordó esto que pacientemente y un tanto asombrado escuche.

 Era el año de 1915, y su padre tendría a la sazón 10 años, cuando los Dorados de Villa en plena Revolución Mexicana cabalgaban por el norte de la republica debido a este conflicto armado robándose a los chicos para atender al regimiento, cepillando caballos, lustrando botas y carabinas y muchas niñas que fueron raptadas por igual para servir de comer, lavar ropa y otros quehaceres de esta índole. Una tarde, cuando se encontraba cuidando unas ovejas paso un caballo a trote y levantó en vilo al pequeño José Valenzuela sentándolo en el caballo, aferrado al jinete y viendo las cananas, el sombrero ancho bigote y carabina 30 30, pensó que no volvería a ver a su familia, este desconocido le hizo una pregunta: “Chaval, ¿sabes donde vive la Chavela? Muerto de miedo contestó temeroso –sí Señor, siendo un pueblo pequeño sabía de quien se trataba cuando otro jinete al trote se acerco y ambos repararon al caballo, éste se cuadró con respeto militar y dijo:

-“Mi General Villa, ¿se puede saber dónde va?

-*Fierrito, descuida aquí el chaval me lleva a ver un asuntito, dile a mis muchachitos que se replieguen en ojo de agua, ahí los alcanzo.

Fierro entonces miró al niño** que aterrado se dio cuenta que el mismo General Villa lo llevaba en ancas a caballo, ahora cada vez que el General le preguntaba por el camino el respondía respetuoso, ¡por aquí mi general!, llegando a una choza le dijo: -“aquí es mi general”, Villa entonces dándole el brazo para bajarlo le dijo: –“Estamos en la Revolufia, no traigo ni dinero ni dulces, te regalo tres balas pa’ que le cuentes a tus hijos que te subiste al 7 leguas***, y tomándolas de la carrillera, le tiro las 3 balas al piso, un relato sorprendente.

Ahora comprendí el por qué su padre fue así de duro y severo, seguimos charlando del suceso platicándome que su padre se había dedicado también a trabajar un tranvía como motorista, y posteriormente al comercio.

Aquí fue entonces cuando platicamos de su carrera musical dándome a conocer otras íntimas historias que lo llevaron a ingresar por ahí de 1964 a la Escuela Superior de Música donde solo estuvo 2 años ingresando en 1966 al Conservatorio Nacional de Música con el maestro Alberto Salas, teniendo en esta época también la inquietud de años atrás continuando con sus “pintas”, donde literalmente devoró un sinnúmero de libros de diferentes temáticas, y libros que su padre atesoró por muchos años, esta actividad extraescolar llegaría a tener mucha influencia en su carrera como compositor.

Su primera obra musical fue la “Suite Mont Murtre” inspirada en Toulouse Lautrec, compuesta en 1976 esta obra la mandó el Maestro Julio Cesar al primer concurso de obras para guitarra celebrado en el estado de Michoacán donde fueron jueces Blas Galindo, Alfonso Moreno, Juan Helguera y Julio Macías obteniendo el primer lugar de esta primera edición del concurso, posteriormente siguieron otras obras inspiradas en pinturas, libros, y algunos lugares de México, como la Suite Montebello, inspirada en las lagunas homónimas del estado de Chiapas, Cascadas de Agua Azul, La Sonata de la Muerte, Lauriana dedicada al compositor Venezolano Antonio Lauro, la Sonata del Amor, los cuadros mágicos, basados en las obras de Fernando Péreznieto (1938 / 2001) quien fuera su amigo personal con quien compartió estas obras musicales de los 25 cuadros mágicos, obras inspiradas en la literatura les cito “Siddharta” fantasía en 4 movimientos, basada en la obra homónima del escritor Alemán Herman Hesse, Las Enseñanzas de Don Juan sobre lecturas del Peruano Carlos Castañeda, obra que consta de cinco movimientos, del Mexicano Juan Rulfo, Pedro Paramo y El Llano en Llamas que fue escrita en 1996 para sexteto de guitarras y muchos arreglos a tres guitarras sobre música popular llevada a un grado de delicadeza, y complejidad guitarrística como “Nostalgia del Rio de la Plata”, basada en cinco de los más bellos y representativos tangos de Argentina, “Fantasía del Eco”, sobre temas de los Beatles, “Fiesta en el Papaloapan” popurrí de los más conocidos y famosos Sones Jarochos entre otras bellas adaptaciones y arreglos de la música popular tanto de México como de los Estados Unidos y otras partes del mundo.

Me comentaba también un hecho curioso, hace poco se cambió al domicilio donde nos vimos y platicamos, al mudarse se llevó obviamente todas sus obras en una caja, (imaginen el tamaño de la dichosa caja que contiene casi 300 obras para guitarra) entre duetos solistas, tercetos, cuartetos, quintetos, sextetos y octetos de guitarra tuvieron que bajarla 3 mudanceros de su anterior domicilio y el lio que fue subirlo al nuevo departamento, dejando la caja mal puesta, recibió la visita de un amigo intimo al que le pidió de favor le ayudara a acomodarla, entre esfuerzos y malabarismo ya que estaban sobre una silla y un banco, le pidió este amigo ver su contenido que esta minuciosamente archivado por orden alfabético, al hacerlo le hizo el comentario en son de broma, valla Julio Cesar, lo que son las cosas, el mundo como esta y tu perdiendo el tiempo haciendo bolitas en papel, se rieron juntos y se abrazaron, acomodaron con trabajos la caja que guarda el tesoro de la inspiración del maestro Oliva.

Como solista ha sido reconocido mundialmente comenzó en fiestas privadas a los 15 años donde tocaba sin el entrenamiento profesional de un músico, ganando poco pero dándose conocer, muchos artistas han tenido a su musa inspiradora en una mujer, en sus hijos, en otros amores, pero el maestro Julio Cesar, tiene esos chispasos de genialidad que plasma en la partitura de otras bellas artes, me comentaba que la primera vez que escribió una obra, le llego de súbito, queriendo identificar eso que oía en su mente puso varias grabaciones no encontrando coincidencia alguna, fue cuando se dio cuenta que esa música era propia y comenzó a escribirla, los cuadros mágicos, y las obras que he citado son el ejemplo de esa inspiración que en sus propias palabras es a veces “una molestia”, sorprendido le pregunte ¿Por qué?, su respuesta fue tan franca que igualmente me dejó perplejo, porque no me deja leer a gusto o disfrutar de una buena película, en verdad me sorprendió y concluyó: ya que terminé de leer el capitulo o de ver mi película, porque trato de recordar lo que “me llega” tomo mi lápiz, mi goma, y empiezo a escribirla, fue una confesión sorprendente.

 

Dentro de su carrera artística perteneció también al Terceto de Guitarras de la Ciudad de México en el que permaneció por 10 años, a principios del año 1986 cuando por casualidad coincidió con el también compositor Gerardo Tamez comentaron de un proyecto que Gerardo había concluido de manera poco satisfactoria, después de haber dejado el grupo Los Folkloristas, Gerardo inicio el Terceto Mexicano de Guitarras con Jaime Marques y Ernesto García de León, con quienes durara solo un año, le propuso a Julio Cesar formar un terceto de guitarras junto con el también guitarrista Antonio López (quien fuera uno de mis maestros en el conservatorio del estado de México), y que estaba por regresar de los Estados Unidos de América, y ya sabía de este proyecto, el Maestro Oliva aceptó también dándole inicio al Terceto más famoso de México en este género musical, yendo a tocar en toda la republica y en varias partes del mundo, fue cuando Julio Cesar Oliva comenzó a escribir sus arreglos a 3 guitarras y obras propias para este ensamble, entre sus recuerdos del Terceto de guitarras de la Ciudad de México, me platicó lo grato que fue recibir la crítica internacional con unas altas expectativas de ellos algunas de estas críticas las hicieron grandes guitarristas como Paco de Lucía y Leona Boyd, otro relato curioso de esta etapa de su vida artística fue una presentación en el noticiero matutino que en aquel entonces conducía el periodista Guillermo Ochoa, me comentó lo siguiente: fue algo inesperado, a nadie le permiten tocar tanto tiempo y menos en un noticiero fue la interpretación del Huapango de José Pablo Moncayo (cuyo arreglo es de Gerardo Tamez) que tocamos, dura casi 10 minutos y no cortaron la transmisión nos dejaron terminar la obra sin interrupción alguna**** concluyó. Lamentablemente para los que los hemos escuchado juntos en esta agrupación el maestro Oliva dejó el terceto de manera definitiva en 1996, su lugar lo ocupa actualmente Tomás Barreiro

A pesar de que se me terminaba el tiempo en esta grata visita por mis compromisos laborales y personales seguí escuchando atentamente sobre sus pasatiempos que siguen siendo los mismos de cuando era niño, leer, es un lector incansable y aunque no lo reconozca personalmente es una persona muy culta amen de su impecable apariencia y su educada forma de tratar a quien lo visita, especialmente a sus alumnos.

De los artistas que han interpretado sus obras están el sexteto de guitarras Hexafonía, el cuarteto de guitarras Manuel M. Ponce, Embrujo Flamenco (cuando era integrado por los hermanos Luna y Jorge Miller), a quienes les compuso La Samba Esmeralda y La Media Luna, dos extraordinarias rumbas flamencas, entre otros grandes guitarristas mexicanos y extranjeros, a quienes podrán escuchar en You Tube interpretando el repertorio del maestro Julio Cesar; otra agrupación guitarrística que ha interpretado tanto las obras originales como los arreglos del maestro Oliva, es el Terceto de Guitarras Ñiu-bah*****, también de la ciudad de México iniciado en 1998, por los guitarristas Marco Antonio Gasca, Arturo Villegas y Luis Gutiérrez (sandokkan), dejándolo Arturo Villegas a finales de 1998 e incorporándose Miguel León a esta agrupación y es Cuando se le da este peculiar nombre Ñiu-bah, de nosotros hablaré ampliamente en otro artículo.

Como otro dato extraordinario y honestamente sin precedentes ya que los conciertos para guitarra y orquesta son contados y en las palabras del maestro Oliva “a los guitarristas no nos quieren, la elite de la música nos ven como el patito feo, nadie nos pela” triste pero lamentablemente cierto, un comentario que me sorprendió y que haciendo memoria es cierto, ninguno de los grandes Directores de Orquesta jamás han grabado el concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo porque los guitarristas no les interesan, le pregunte si no había tenido la inquietud de componer un concierto de este tipo, para guitarra y orquesta, me dijo que no argumentando los inconvenientes entre el que por supuesto pesaba más era esa “discriminación” hacia los guitarristas, entonces me comento de 3 obras, 3 conciertos escritos todos en 4 movimientos para guitarra y cuarteto de guitarras, las obras son las siguientes:

México de mis Sueños, de estilo tradicional mexicano

Concierto del Amor, escrito a manera de Tango

Y el Concierto del Destino, que tiene un estilo más Clásico

Como lo he mencionado son conciertos para solista y cuarteto de guitarras, donde el solista es acompañado por el cuarteto.

De estos conciertos, el concierto del amor fue proporcionado a Erwin Rodríguez, quien mandó orquestarlo y ha sido interpretado de esta manera también en el extranjero habiendo ya según las cuentas del maestro Julio más de 15 arreglos diferentes a orquesta y guitarra incluido uno que arreglaron con la intervención de una soprano de este único concierto, algo verdaderamente sin precedente.

Dentro de las mayores satisfacciones que un compositor puede tener es la interpretación y el interés de las personas en sus obras, citaré nuevamente las palabras del maestro Julio quien me confió esto por teléfono, soy uno de los pocos compositores que ha tenido la oportunidad de ver mis obras publicadas y grabadas, que he podido ver en vida el gusto de mucha gente por mi trabajo, pero personalmente considero que el gesto del pianista Julio Cesar Castillo ha sido algo verdaderamente noble y digno de reconocerse, mencione que en mi visita lo acompañe por una copia a una papelería cercana, y compartió conmigo este anécdota, este pianista al que hago referencia le dijo un día, hace aproximadamente tres años, “maestro voy a darle una sorpresa, se la daré en cuanto esté lista”, poco después el maestro Oliva recibió de manos de Castillo, una tesis y una grabación, la tesis tiene por título “las posibilidades pianísticas en la obra de Julio Cesar Oliva”, hizo transcripciones a piano de casi todas las obras originalmente escritas para guitarra del Maestro Oliva.

Mas Datos relevantes en la carrera artística de Julio Cesar Oliva.

A pesar de que su nombre Completo es Julio Cesar Valenzuela Oliva, no se le conoce su apellido paterno, el motivo que fue tema de otra anécdota: cuando comenzó a tocar siendo adolescente el impresor encargado de la imprenta que hacía los programas de mano y trípticos publicitarios que eran muy pequeños, le dijo: “mira no sé si haya inconveniente, te puse Julio Cesar Oliva porque el Valenzuela no cabe, y se oye mejor solo “Oliva”, ¿Qué te parece?” no le pareció mal aquí el punto era la opinión de su papá, quien lo tomo bien, le pareció que ese nombre “artístico le quedaba bien”, y desde entonces así se le conoce.

En 1970 fue el primer guitarrista mexicano que interpretó un programa con música de Bach y en 1976 es el primer músico solista invitado para la inauguración de la Sala Netzahualcóyotl. Desde 1984 se ha presentado en los más importantes festivales del país y en 1990 ofreció recitales en Italia y Francia con el Terceto de Guitarras de la Ciudad de México, y como solista en el Festival Internacional de Costa Rica en 2002.

Varias de sus obras para guitarra sola, ensambles de guitarra y obras para diversos instrumentos han sido interpretadas en festivales y concursos nacionales e internacionales y se han publicado por los Magazines Guitar International, Gendai Sound board; por las editoras Henry Lemoine, Ricordi, Toca Rock, Múñelo America y GSP Publications.

En su discografía destacan: Guitarra Mexicana, La Guitarra en el mundo, Terceto de Guitarras de la Ciudad de México; para la Marca Urtext Classical: Plenilunio, México Mágico, Qué Bonita es mi Tierra, y su último CD, La Guitarra del amor. La Guitarra de Cristal, considerado como un disco de cinco estrellas en el catálogo New Releases Classical y en Tower Records (Inglaterra).

Entre las críticas más distinguidas que ha recibido se encuentra las de: Guitar Player, Classical Guitar, Gendai Guitar, Les Cahier de la Guitarre, Seicorde, Soundboard, Paco de Lucía, Leo Brouwer, David Grimes, Paquito D’Rivera, Ernesto Cordero, Carlos Barbosa Lima, Pavel Steidel, Zoran Duckich, Manuel López Ramos, Víctor Pellegrini, Juan Helguera, Guillermo Flores Méndez, Alberto Salas, Corazón Otero, Cristóbal López, Roberto Aymes, entre otros. En 2003 cumplió 40 años de actividad musical y fue homenajeado en el 6º Concurso y Festival Nacional de Guitarra de Taxco, así como en otras ciudades del país. Ese mismo año, Guitar Fundation of America le encargó componer una obra para el International Guitar Competition.

Su nombre figura en la Enciclopedia de México, Diccionario de Compositores de México, Cincuenta años del Palacio de Bellas Artes, Enciclopedia de la Chitarra, Table of classical Guitar composers, Neuerschinungen Für Gitarre, Calálogo Schwann, Sala Netzahualcóyotl… Una vida de conciertos, http://www.guitarrismp.com, http://www.guitarristas.com, http://www.google.com, http://www.yahoo.com, y http://www.youtube.com

 

Quiero agradecer ampliamente al maestro Julio Cesar Oliva por su amabilidad al permitirme escribir sobre él y su trabajo, por haber compartido sus anécdotas personales parte de su vida e historia para compartirla con ustedes.

Me despido de esta edición de nuestro blog, espero haya sido de su agrado esta información de uno de los más inspirados hijos de México, un artista actual, presente que espero siga compartiendo su talento y regalándonos sus creaciones, nos veremos en la siguiente edición en otro capítulo de “la música que a través del tiempo sigue siendo popular”, hasta pronto.

Notas:

* General Rodolfo Fierro fue un militar mexicano que participó en la Revolución Mexicana. Apodado “el Carnicero”, Nació en EL Fuerte, Sinaloa en 1880, murió en Laguna de Guzmán Chihuahua en octubre de 1915, Fue el Brazo Derecho del General Francisco Villa.

** una confesión que hizo Don José Valenzuela a sus hijos con respecto a ese episodio de su vida fue la siguiente: “jamás olvidare esa mirada, esos ojos penetrantes y asesinos de Fierro, sé que me iré a la tumba y jamás veré una mirada igual en mi vida”

*** El 7 leguas fue el caballo del Gral. Francisco Villa, era realmente una Yegua árabe que le fue regalada

**** En ningún noticiero de televisión se otorga tanto tiempo a un invitado aparte de su entrevista, este video (por cierto no de muy buena calidad por su grabación original en formato betamax) está disponible en You Tube, no te lo pierdas.

***** Ñiu-bah significa “Buena Tierra” en Mixteco, dialecto de este pueblo originario del estado de Oaxaca México.

SANDOKKAN: lejos de ser el verdadero tigre de malasia, más bien, es un guerrero moderno en esta jungla de concreto llamada Ciudad de México, siempre apasionado, entre otras cosas, de la guitarra clásica y de las tecnologías computacionales.

Comentarios a: atravesdeltiempo@live.com.mx

Música a través del tiempo

Hola cibernautas, es un placer para mi escribirles en este nuevo espacio, lamento el no haber podido escribir este artículo para la edición pasada, pero estoy de vuelta para dar ese viaje por la música que a través del tiempo sigue siendo popular.

En esta ocasión no les presentaré a un personaje muy conocido, ni mexicano, les escribiré de un cantautor excepcional, se trata de Alfredo Zitarrosa, cantautor, poeta y locutor uruguayo.

 

Hijo natural de Jesusa Blanca Nieve Iribarne (Blanca), que con 19 años dió a luz en el Hospital Pereira Rossell de Montevideo el 10 de marzo de 1936 a un niño quien fuera registrado como Alfredo Iribarne.

A poco de nacer, en circunstancias especiales, su madre lo “dio a criar” al matrimonio compuesto por Carlos Durán, hombre de varios oficios, y Dora Isella Carbajal, por ese entonces empleada en el Consejo del Niño, pasando a ser Alfredo “Pocho” Durán, viviendo con ellos en diversos barrios de esa ciudad, trasladándose luego, entre 1944 y fines de 1947, al pueblo de Santiago Vázquez, con frecuentes visitas a la campaña cerca de Trinidad, capital del Departamento de flores, de donde era oriunda su madre adoptiva. Se ha señalado que esta experiencia infantil lo marcó para siempre, notándose en su repertorio la inclusión mayoritaria de ritmos y canciones de origen campesino, fundamentalmente Milongas.

Regresó con su familia adoptiva, por breve tiempo, a Montevideo, para luego pasar a vivir, al comienzo de su adolescencia, con su madre biológica y el esposo de ésta, quien a la postre le diera su apellido, el argentino Alfredo Nicolás Zitarrosa.

Se inicia en las lides artísticas en 1954 como locutor de radio Fue también escritor, poeta y periodista, destacándose, en esta última actividad, su labor en el semanario Marcha.

Encontrándose en el Perú y dadas las peculiares circunstancias en el año de 1964, debuta por primera vez como cantante profesional el día 20 de febrero, en canal 13 de  Panamericana Televisión,

Poco después, al pasar por Bolivia de regreso a Uruguay, realizó varios programas en Radio Altiplano de la ciudad de La Paz, debutando posteriormente en Montevideo, allá por 1965, en el Auditorio del SODRE (Servicio Oficial de Difusión Radioeléctrica). Su participación en este espacio le sirvió de peldaño para ser invitado, a principios de 1966, al ya reconocido Festival de Cosquín, en Argentina, al que volvería en 1985.

Desde el principio, se estableció como una de las grandes voces del canto popular latinoamericano, con claras raíces de izquierda y Folklóricas. Cultivaba un estilo contenido y varonil, y su voz gruesa y un típico acompañamiento de Guitarras le dieron su sello característico.

Adhirió al Frente Amplio de la izquierda uruguaya, lo que le valió el Ostracismo y finalmente el Exilio durante los años de la dictadura. Sus canciones estuvieron prohibidas en Argentina, Chile y Uruguay durante los regímenes dictatoriales que gobernaron esos países. Vivió entonces, sucesivamente, en Argentina, España y México, a partir del 9 de Febrero de 1976.

Zitarrosa llego a nuestro país en julio de 1977, presentándose en el Auditorio Nacional, y el entonces canal 13 de Imevision en los programas del periodista mexicano Jorge Saldaña (exiliado también en el sexenio de Miguel de la Madrid), hay un dato curioso de Alfredo, se dice que a pesar de haber compuesto muchas canciones y de haber hecho muchos de sus arreglos no podía tocar una milonga completa, pero esto es un dato que no pude constatar, hay grabaciones de sus canciones donde él ejecuta también el instrumento de una manera impecable, y por lo general se hacía acompañar por 4 guitarras.

Regresa Zitarrosa a su natal Uruguay el 31 de Marzo de 1984, en medio de una emotiva y masiva recepción donde lo recibieron más de 5000 personas en el aeropuerto de Montevideo, la que fue descripta por él mismo como «la experiencia más importante de mi vida». la formidable voz e inspiración de Alfredo Zitarrosa se extinguieron el 17 de Enero de 1989 en Montevideo Uruguay, víctima del Cáncer, le viven su esposa Nancy Marino y sus hijas Carla Moriana y María Serena

Algunos de sus guitarristas fueron: Carlos Díaz “Caíto” (Q. P. D.), Naldo Labrin, Julio Cobeli, Delfor Sombra, Alfredo Díaz “Kanito”, Dionildo Velásquez, Julio Amaya, José Luis Peña María, Eleodoro Villada, Emilio “Toto” Mendez, *Nelson Olivera, *Ciro Pérez, *Vicente Correa

* en foto con Alfredo Zitarrosa (de pie) en 1972

Me despido de esta edición mencionando algunas de las obras de Alfredo Zitarrosa enmarcando en un paréntesis el ritmo al que pertenecen, espero haya sido de su agrado este articulo, hasta el próximo viaje por la música que a través del tiempo sigue siendo popular.

SANDOKKAN.

Entre las obras de Zitarrosa cito:

Nene Patudo (litoraleña), Doña Soledad (candombe), Niño Christian (canción), Stefanie (canción), Milonga de Ojos Dorados (milonga), Pa’l que se Vá, (chamarrita), Verte Bailar (milonga), Beethoven (milonga), Cancion de “Que” (candombe), Melodía Larga <instrumental> (milonga) Melodía Larga II <instrumental> (milonga),
Truco No –melodía larga III– <instrumental> (candombe), Dile a la Vida (zamba) Que Pena (litoraleña), El Loco Antonio (milonga), El Diccionario (candombe).

SANDOKKAN: lejos de ser el verdadero tigre de malasia, más bien, es un guerrero moderno en esta jungla de concreto llamada Ciudad de México, siempre apasionado, entre otras cosas, de la guitarra clásica y de las tecnologías computacionales.

Comentarios a: atravesdeltiempo@live.com.mx

Música a través del tiempo

EL VALS 2ª parte…

Cibernautas ociosos, viciosos y demás especímenes underground lo prometido es deuda y aquí está la 2ª parte del tema del vals, este nuevo viaje por este género se enfoca a conocer las características del vals en América Latina.

Hagamos el recorrido comenzando por Perú y Uruguay hasta concluir en México, el vals en estas regiones de Sudamérica es mas rápido del que conocemos como “vals vienes”, su cadencia es mas acompasada y su estilo hace un poco mas pronunciado el tercer tiempo del compás dándole su toque característico, las letras de estos valses son con la temática tradicional del folklore sudamericano, hablan del campo, de la vida cotidiana, del amor y desamor

El compositor uruguayo Alfredo Zitarrosa a pesar de que su estilo mas común fue la milonga compuso entre otros ritmos gatos, litoraleñas y zambas pero también compuso valses muy a su estilo tratando el tema del desamor y las despedidas, melancólicos pero que reflejan las características principales de estas tierras, este es un fragmento del vals “Pichón de Amor” de Alfredo Zitarrosa:

Zitarrosa

Amor mi amor

No quiso amar a nadie si no a ti

Porque a mi, tu calor me hizo bien

Aunque me dio dolor, hoy que el tiempo paso

Te siento alrededor amarte fue mejor, que guardarte rencor

Amor que flor

Caliente roja y quieta para siempre

Dejaste latiendo en mi frente, pájaro que canta

Sol que se levanta miedo que no espanta

Melodiosa planta, amor limpio y tierno

Olvido eterno, hoguera ardiendo en el invierno…

Y este estilo ha perdurado en estas regiones del sur, no variando mucho en su pronunciación y temática que es muy similar en varios países vecinos de Uruguay, en Perú el vals criollo es uno de los estilos folklóricos mas representativos de esta región, los valses Peruanos son alegres en su música, algunos con letras nostálgicas pero igualmente hermosas en el contenido literario y versado de sus letras, la temática es similar a la de Argentina y Uruguay, pero con ese sabor y estilo muy propio de esta hermosa región de Latinoamérica, este vals por lo general es tocado tradicionalmente a tres guitarras y con arreglos vocales a dos o tres voces.

Como una sugerencia personal a los interesados en este género del vals peruano recomiendo busquen (con un poco de surte lo encontraran, en la discográfica “vieja”) las interpretaciones de el trío peruano “los Morochucos”, quienes hicieron época desde la década de los 50’s hasta los 80’s. Como ejemplo de estos valses citaré la flor de la canela, Zeñó Manué, puente de los suspiros y fina estampa todos de la autoría de María Isabel Granda y Larco, la mundialmente famosa “Chabuca Granda” (* 03/09/1920 – + 08/03/1983)

artistas

El Vals en México

México tiene un estilo de vals diferente a estas regiones del sur de América, es un poco mas lento y cadencioso que el vals sudamericano, y a diferencia de los valses europeos, los valses de América Latina no son bailables en su mayoría dadas las características de sus interpretaciones y contenidos literarios que van desde tríos, a conjuntos como cuartetos de cuerdas, orquestas típicas, orquestas de alientos y mariachis, en México el vals formó parte de la época de oro de la música romántica interpretado también por el tradicional “Salterio”, instrumento del cual somos muy pocos ya los ejecutantes solistas** pero se ha mantenido vivo en las orquestas típicas mexicanas, este bello instrumento fue uno de los pilares de la interpretación del Vals tradicional de compositores como Juventino Rosas, Macedonio Alcalá, Quirino Mendoza, Alfonso Esparza Oteo, Agustín Lara, Carlos Espinosa de los Monteros, Jesús Elizarrarás, Roberto Henkel, Rodolfo Campodónico y Enrique Mora entre otros grandes compositores mexicanos

salterios

Citaré para finalizar este viaje algunos de los valses mas representativos de esa época de México: Sobre las Olas, Dios Nunca Muere, Honor y Gloria, Maria Elena, Cuando Escuches este Vals, María Bonita, Marimba, Janitzio, Blanca, Tristes Jardines, Destello Fugaz, Noche Azul, Julia, Club Verde, Carmen, Duda, Alejandra, Palabras de Amor, Tierra de mis Amores, Luna de Octubre, Rosalía, Morir Soñando y Amor del Alma.

Cibernautas de todas las categorías posibles e imposibles, nos vemos el próximo mes en otro viaje por la música de México y Latinoamérica, música que a través del tiempo sigue siendo popular…

**Soy Salterista desde hace más de 20 años, aparte de tocar guitarra clásica, mandolina, saxofón, trompeta y flauta transversal.

SANDOKKAN: lejos de ser el verdadero tigre de malasia, más bien, es un guerrero moderno en esta jungla de concreto llamada Ciudad de México, siempre apasionado, entre otras cosas, de la guitarra clásica y de las tecnologías computacionales.

Comentarios a: atravesdeltiempo@live.com.mx